S.XIX. Baile de salón.

 

S. XIX

Baile de salón

Manuel Cabral Bejarano

60 x 75 cm

Óleo sobre lienzo pegado a cartón

Esta pintura de Manuel Cabral Bejarano representa una  escena de baile en el interior de un salón burgués decimonónico. La composición gira en torno a una bailarina que ejecuta un paso de danza española, mientras un guitarrista y una cantante acompañan la interpretación musical ante un reducido grupo de espectadores. 

Desde el punto de vista organológico, resulta  interesante la presencia de unas castañuelas. La bailarina sostiene un par correctamente dispuesto en ambas manos, con la postura habitual para su ejecución. Aunque el pequeño formato de la obra impide apreciar detalles constructivos, se distinguen claramente como castañuelas de tipo español, utilizadas como instrumento inseparable de la danza. 

La obra constituye un valioso testimonio iconográfico de la incorporación de las castañuelas al repertorio escénico burgués, reflejando cómo un instrumento de profundas raíces populares había alcanzado pleno reconocimiento en los espacios de representación y sociabilidad de la élite española.

s.XIX. Danza di festa.

S. XIX

Baile de Celebración

Della Rocca, Giovanni (1788-1858)

35,6 x 73,7 cm

Esta escena de género constituye un excelente ejemplo de la pintura costumbrista desarrollada por Giovanni della Rocca durante la primera mitad del siglo XIX. La composición representa una animada reunión popular en el interior de una vivienda campesina, donde varias figuras, ataviadas con indumentarias tradicionales italianas, participan en una celebración en torno a la música y la danza.

La disposición horizontal del lienzo permite al artista construir una narración continua, en la que cada personaje desempeña un papel dentro de la escena. En el centro, una pareja ejecuta un baile de carácter popular, mientras familiares y vecinos contemplan la danza desde ambos lados de la estancia. El ambiente festivo se ve reforzado por la presencia de un músico situado a la derecha, que acompaña el baile con un instrumento de cuerda, y de una joven que sostiene un pandero, elemento habitual en numerosas danzas tradicionales italianas.

Della Rocca demuestra una notable habilidad para describir la vida cotidiana mediante una cuidada observación de los gestos, las expresiones y la indumentaria de los personajes. La iluminación, dirigida principalmente hacia el grupo central, concentra la atención en los bailarines sin descuidar los numerosos detalles domésticos que enriquecen la composición: el mobiliario, los recipientes cerámicos, la paja almacenada y la arquitectura del interior contribuyen a recrear un ambiente rural verosímil.

Las castañuelas aparecen representadas como un par de pequeños idiófonos de entrechoque, de forma alargada y color oscuro, sujetos por los bailarines mientras ejecuta la danza. Aunque el detalle no permite apreciar con precisión su construcción, el pintor refleja con fidelidad la postura de las manos y el gesto propio de la interpretación. Integradas en el movimiento coreográfico, las castañuelas actúan como prolongación rítmica de la danza, complementando el acompañamiento del pandero y del instrumento de cuerda.

 

La Crotalogía de Juan Fernández de Rojas. Daniel S. Polo

 

ENLACE DE LA OBRA VISTA PREVIA

ENLACE DE LA OBRA. VISTA PREVIA

No Castanets. Caryl Brahms. 1963. Novela

No Castanets es una novela histórica de tono satírico escrita por la autora británica Caryl Brahms. La obra mezcla hechos históricos reales con humor, ironía y elementos novelescos para narrar las aventuras y desventuras de la corte portuguesa durante las Guerras Napoleónicas.

La historia comienza en 1807, cuando las tropas de Napoleón Bonaparte avanzan sobre Portugal. Ante la inminente invasión, la familia real portuguesa de los Braganza decide abandonar Lisboa y trasladarse a Brasil bajo la protección de la flota británica. La evacuación es presentada de forma caricaturesca y caótica: nobles, clérigos, funcionarios, sirvientes y toneladas de equipaje intentan embarcar apresuradamente mientras la población contempla cómo sus gobernantes abandonan el país.

Entre los personajes centrales destacan el indeciso príncipe regente Dom João (futuro rey João VI), la ambiciosa e intrigante Carlota Joaquina —esposa del regente e hija de la casa real española—, el diplomático británico Lord Strangford y el joven oficial inglés Dysart Woodley. La autora utiliza estas figuras para satirizar las debilidades humanas, los juegos de poder cortesanos y las relaciones entre Portugal, España, Francia e Inglaterra.

Una vez iniciada la travesía atlántica, la novela sigue las peripecias de la corte exiliada. El viaje resulta mucho más duro de lo esperado: tormentas, incomodidades, mareos, pérdidas de equipaje y conflictos personales convierten la travesía en una auténtica odisea. Carlota Joaquina, por ejemplo, descubre con horror que gran parte de su vestuario y pertenencias ha quedado abandonado en Lisboa, una desgracia que para ella parece casi tan grave como la amenaza napoleónica.

Aunque el título hace referencia a las castañuelas, estas aparecen más como símbolo del ambiente hispano-portugués que como tema principal. La música, los bailes, los fandangos y las castañuelas sirven para caracterizar la vida cortesana y el temperamento de algunos personajes. Incluso aparece la famosa observación del almirante británico: «No castanets; they'll never click» (“No castañuelas; nunca tendrán éxito”), juego de palabras que da origen al título de la novela.

En conjunto, la obra no es una historia de las castañuelas, sino una novela histórica humorística sobre el traslado de la corte portuguesa a Brasil y las complejas relaciones políticas y familiares de los Braganza. Brahms combina una documentación histórica considerable con un estilo ligero, irónico y muy británico, convirtiendo un episodio decisivo de la historia luso-brasileña en una comedia de costumbres llena de personajes extravagantes.

Para un investigador de las castañuelas, el libro resulta valioso porque contiene numerosas referencias al uso de castañuelas, fandangos, boleros y danzas cortesanas en los ambientes aristocráticos hispano-portugueses de comienzos del siglo XIX. Sin embargo, estas referencias son literarias y ambientales, no organológicas, por lo que deben utilizarse con cautela como fuente histórica.

S:XVIII. Scena con musici popolari.

S.XVIII

Scena con musici popolani

Vizzini, Gaspare

74 X 1 00 cm

La pintura atribuida a Gaspare Vizzini, activo entre Nápoles y Sicilia a finales del siglo XVIII, nos sitúa ante una animada escena musical en la que varios personajes comparten un momento de diversión y entretenimiento. Aunque no disponemos de mucha información sobre la vida del pintor, la obra encaja perfectamente dentro de la tradición de la pintura de género tan apreciada en la Italia de la época, donde era frecuente representar escenas cotidianas protagonizadas por músicos, bailarines y personajes populares.

Lo primero que llama la atención es el ambiente cercano y espontáneo que transmite la composición. Los personajes aparecen muy próximos entre sí, intercambiando miradas y gestos que sugieren complicidad y participación en una actividad común. 

Entre los instrumentos representados se distingue claramente un violín, sostenido por una de las figuras situadas al fondo. También aparece un pandero de gran tamaño, reconocible por su aro circular y por las sonajas metálicas insertadas en el marco. Ambos instrumentos eran habituales en muchas prácticas musicales de la Europa mediterránea y solían acompañar cantos y danzas.

Sin embargo, el elemento más interesante desde el punto de vista organológico es el instrumento que toca el personaje situado a la derecha. En sus manos pueden verse unas castañuelas perfectamente reconocibles. La pintura permite apreciar dos piezas cóncavas unidas por un cordón, una característica esencial de las castañuelas modernas. Además, la forma en que las sostiene y las hace sonar coincide con la técnica asociada a este instrumento.

Este detalle tiene especial interés porque nos encontramos ya en una época en la que las castañuelas están plenamente definidas como instrumento musical. A diferencia de muchas representaciones medievales, donde aparecen distintos tipos de tablillas de entrechoque cuya relación con las castañuelas modernas no puede establecerse de forma directa, aquí vemos un instrumento cuya identificación no ofrece dudas.

La escena también nos ayuda a comprender el papel social de las castañuelas en el siglo XVIII. No aparecen aisladas, sino formando parte de un pequeño conjunto musical junto al violín y el pandero. Todo ello sugiere un contexto ligado a la diversión, la sociabilidad y posiblemente al acompañamiento de la danza, actividades muy presentes en la vida cotidiana de la época.

Artesanos. J. M. De Bustos Rodríguez. Salamanca.

 

J. M. De Bustos Rodríguez.

Salamanca

1965

Contacto:

639265716

 jmdebustos@gmail.com

Marca las piezas con una B

Piezas :

1790

El bolero

Demachy, Pierre-Antoine

Aguafuerte

170 x 240 cm

La estampa El bolero, atribuida a Pierre-Antoine Demachy y conservada en una copia anónima iluminada a mano de 1790, constituye un testimonio muy interesante de la fascinación que despertaban los bailes españoles en la Europa de finales del siglo XVIII. La escena muestra una pareja ejecutando un bolero en plena “primera postura en la acción de dar la vuelta”, tal como indica la inscripción inferior. No se trata de una representación improvisada o popular en sentido estricto, sino de una imagen cuidadosamente construida para presentar el baile español como un espectáculo elegante, refinado y característico de la identidad nacional.

Pierre-Antoine Demachy fue un pintor y grabador francés conocido sobre todo por sus vistas arquitectónicas y escenas teatrales. Aunque no fue especialista en temas españoles, trabajó en un contexto artístico europeo donde existía un enorme interés por las danzas y costumbres de España. En esos años, el bolero comenzaba a difundirse fuera del ámbito español y era percibido como una danza llena de gracia, vivacidad y exotismo. La propia inscripción de la estampa lo deja claro cuando afirma que el bolero es “natural regocijo de nuestra España”, una fórmula que une el baile con una idea de identidad nacional y alegría colectiva.

La composición está organizada como una escena escénica. Los bailarines ocupan el centro y aparecen rodeados de músicos y espectadores. La postura de ambos danzantes revela el carácter técnico y contenido del bolero del siglo XVIII, muy distinto de algunas imágenes modernas asociadas al flamenco. El movimiento no es violento ni arrebatado, sino elegante, medido y cortesano. El bolero surgió precisamente en ese ambiente, a medio camino entre la danza popular y la escuela académica de baile, y llegó a convertirse en una de las formas más representativas de la llamada Escuela Bolera.

Uno de los aspectos más relevantes de la imagen es la presencia de las castañuelas en manos de los bailarines. Aquí aparecen claramente integradas en la práctica del bolero y no como un simple accesorio decorativo. A finales del siglo XVIII, el uso de castañuelas en el bolero estaba ya plenamente consolidado y formaba parte esencial de la técnica del baile. El instrumento no solo marcaba el ritmo, sino que contribuía a la expresividad corporal y al diálogo entre música y movimiento. En la Escuela Bolera, las castañuelas adquirieron una gran sofisticación técnica y pasaron a formar parte inseparable de la formación de los bailarines.

La estampa es especialmente interesante porque documenta un momento histórico en el que las castañuelas ya aparecen asociadas de forma clara a la danza española escénica. Esto tiene importancia organológica e histórica, ya que permite distinguir estas prácticas dieciochescas de otros idiófonos de entrechoque anteriores representados en la iconografía medieval, que no pueden identificarse automáticamente como castañuelas en el sentido moderno. En El bolero vemos ya un contexto plenamente reconocible de baile bolero, acompañado por instrumentos de cuerda y por el toque coordinado de las castañuelas, dentro de una estética que anticipa gran parte de la imagen internacional de la danza española en los siglos posteriores.

s. XIX. El baile de la tarantella.

 

s.XIX 

El baile de la tarantella 

Dalbono, Edoardo (1841-1915)

óleo sobre lienzo

62 x 95 cm

La obra El baile de la tarantela muestra una escena festiva al aire libre bajo una parra. Edoardo Dalbono fue un pintor interesado en escenas populares del sur de Italia y en los efectos de luz natural. Aquí representa un momento de música y danza colectiva con una composición abierta y luminosa.

La escena gira en torno al baile de la tarantela, una danza popular italiana de ritmo vivo. Los personajes se agrupan alrededor de los bailarines mientras algunos acompañan la música. La mujer vestida de blanco ocupa el centro de la escena y el muchacho arrodillado de espaldas introduce el movimiento principal del cuadro. Su postura inclinada y el gesto de los brazos sugieren el ritmo rápido de la danza.

El muchacho lleva castañuelas. Dalbono las representa como parte del propio movimiento del bailarín. No aparecen como un simple detalle decorativo, sino como un instrumento ligado al gesto corporal y al compás del baile. El sonido seco y repetido de las castañuelas encaja con el carácter rítmico de la tarantela y refuerza la sensación de movimiento que atraviesa toda la pintura.

También aparecen otros instrumentos. A la derecha se ve un músico tocando una flauta y varias figuras sostienen panderos o panderetas. Todos estos elementos musicales contribuyen a crear una escena popular y festiva. La pintura transmite la impresión de un instante vivido, donde música, danza y reunión social forman una misma acción.

1830. Fandango.

 

1830

Fandango

Giscard

18 x 24 cm

La imagen representa una escena de baile titulada Fandango, realizada hacia 1830 por Giscard. Se trata de una estampa de carácter costumbrista, muy vinculada al interés europeo por los tipos populares españoles durante las primeras décadas del siglo XIX. En esos años, España despertaba una fuerte fascinación romántica entre viajeros, ilustradores y editores franceses e ingleses, que veían el país como un territorio pintoresco, todavía asociado a tradiciones populares consideradas exóticas, apasionadas y antiguas.

La obra muestra a una pareja ejecutando un fandango al aire libre. La composición insiste en el movimiento y en la elegancia corporal más que en el detalle psicológico de los personajes. Ambos bailarines aparecen captados en un momento de giro y elevación de brazos, creando una sensación de ritmo visual muy propia de las estampas de danza de la época. El paisaje apenas es esbozado, porque el verdadero protagonismo recae en la acción coreográfica y en la indumentaria popular.

El vestuario responde al gusto romántico por el “majismo” y por las escenas españolas idealizadas. La mujer lleva vestido de vuelo amplio y adornos de color, mientras el hombre aparece con traje ajustado y faja roja, elementos que en la iconografía europea se asociaban rápidamente con Andalucía y con los bailes nacionales españoles. Este tipo de imágenes circularon ampliamente en álbumes de trajes, colecciones de costumbres y publicaciones destinadas a viajeros cultos.

El fandango era ya entonces uno de los bailes españoles más conocidos internacionalmente. Desde el siglo XVIII había adquirido enorme fama en teatros, salones y descripciones de viajeros, hasta convertirse en una especie de emblema musical español. Su carácter vivo, el juego entre los bailarines y el acompañamiento rítmico lo diferenciaban de otras danzas europeas más ceremoniosas. 

Aunque el dibujo es pequeño, se aprecia claramente que ambos bailarines levantan las manos sosteniendo instrumentos de percusión. El gesto elevado de brazos y la posición de los dedos corresponden al toque de castañuelas durante el baile. En el fandango, las castañuelas no eran un mero acompañamiento decorativo, sino una prolongación rítmica del movimiento corporal. El sonido seco y entrechocado de los palillos marcaba acentos, reforzaba el zapateado y ayudaba a construir el diálogo coreográfico entre hombre y mujer.

Durante el siglo XIX las castañuelas se consolidaron como uno de los grandes símbolos musicales españoles en la iconografía europea. Artistas y viajeros las incorporaban constantemente a escenas de boleros, seguidillas y fandangos porque sintetizaban visualmente la idea de ritmo, exotismo y danza nacional. En muchas estampas románticas, como esta, el instrumento aparece casi inseparable de la identidad española popular.

La imagen también refleja un cambio social importante: el paso de ciertos bailes populares desde contextos festivos y teatrales hacia una representación artística destinada al consumo burgués europeo. El fandango, originalmente ligado a ambientes populares y festivos, terminó convertido en tema habitual de colecciones ilustradas, espectáculos escénicos y publicaciones de viaje. Así, la danza y las castañuelas dejaron de ser solo una práctica musical para transformarse también en un símbolo cultural exportable de España.

La castañeta repentina de La Pícara Justina.

 

Música, doble sentido y cultura popular en el Siglo de Oro

Publicada en 1605, La pícara Justina destaca por su lenguaje lleno de juegos de palabras, dobles sentidos y humor carnavalesco. En ese ambiente aparecen las “castañetas” como instrumento musical y metáfora sonora y corporal con evidente intención escatológica y festiva.

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